W 白立方画廊 White Cube

不同的艺术,不同的白立方
 

继Larry Gargosian、Ben Brown以及Edouard Malingue等画廊主纷纷在香港开办了分画廊之后,代理了诸如达明安•赫斯特等顶尖当代艺术家的伦敦白立方画廊于2012年3月2日正式开启了它在香港的分画廊,这也是该画廊在英国以外的首家分店。

1993年,杰•乔普林(Jay Jopling)在英国创立了白立方画廊,White Cube——白色的立方块,命名的灵感来自爱尔兰作家多赫提的一系列文章:“白立方:画廊空间的意识型态”,文章中强调现代画廊中的空白墙壁已经成为20世纪艺术的原始模版。第一间白立方坐落于伦敦西区,由享誉世界的极简主义建筑大师克劳迪欧•西尔伟斯特林(Claudio Silvestrin)操刀设计,尽管展览空间略显狭小,却也是欧洲最具影响力的商业画廊之一。最初的画廊理念是受艺术家沃尔特•德•玛丽亚(Walter De Maria)1977年纽约作品Earth Room影响,矢志为一位艺术家提供可展示单件重要作品或一系列作品的紧凑聚焦空间,并于创办之初规定一位艺术家只能展出一次从不重复。

 
 

后来碍于空间,2000年白立方搬到更大的处所——伦敦东区霍斯顿广场(Hoxton Square),画廊原址是一座20年代的工业建筑,白立方在原有空间上又扩建了2000平米,搬迁的部分原因也是可以更接近东区这个新兴艺术家的发源地,白立方自己的艺术家也曾经重新定义过英国当代艺术,当然他们现在仍怀着野心继续推动英国当代艺术。2006年,白立方又回到伦敦西边的梅森道(Mason’s Yard),就是迷你画廊的原址,他们将旧有空间扩建到5000平方英尺。在2011年弗利兹艺博会开幕期间,白立方的第三个空间于伦敦南边的柏孟塞(Bermondsey)开幕。到了2012年,白立方又开出了其第一间海外画廊,落户于香港中环,即香港白立方。开幕展呈现的是英国当代艺术家吉尔伯特和乔治(Gilbett George)的新作展“伦敦图像”(London Pictures),这是这个英国艺术家组合全球巡展的首站,同时也是规模最大的一次艺术创作,全系列共有292幅作品。

 
 

从穿互搭西装唱歌,到取自己的体液来拍照,“活雕塑”双人组吉尔伯特和乔治Gilbert & George不断留下各种“生活作为艺术”的恒久印记。1967年以来,两个的日常生活与艺术创作便已无甚分别。正如吉尔伯特所言,你没法每天在画廊里过生活,因此他们的“图Picture)”系列便得以诞生。其中最新的便是“伦敦图(London Picture)”,它们在主题和尺幅上都显得怪诞,以伦敦街头报刊招贴中的文字暴力“袭击”观众。“在过去五十年的艺术生涯中,Gilbert & George一直持之以恒地创作了无数令人震惊、富于想象力和充满道德意识的非凡艺术作品,备受世人推祟。在这个全新的‘LONDON PICTURES’(2011)系列中,Gilbert & George深入探讨了现代城市日常生活中的无常、悲剧、暴力和荒诞事件。……‘LONDON PICTURES’俨如一部伟大的视觉小说,在以没有预先批判下,展示一幕又一幕的城市连续剧, 把当中不同层次的人间希望和痛苦表露无遗。”作家兼艺评人Michael Bracewell是这样评价的。

 
 

目前,白立方代理的艺术家约有50位,其中不仅有YBAs中的达明•赫斯特、崔西•艾敏、查普曼兄弟,也有德国新表现主义大师乔治•巴塞利兹(Georg Beselitz)及安塞姆•基佛。上个世纪80年代,白立方和一批新时代的英国艺术家有着非常紧密的关系,从那个小空间开始,YBAs一个接着一个出道,并改写英国当代艺术历史,YBAs商业上的成功也证明乔普林的出现颠覆了保守英国艺术圈的纯学术性。对此,白立方画廊展览总监Tim Marlow曾在2011年接受英国《卫报》采访时表示:“当我们可以提供更有趣的、更多样的展览空间,就能吸引更多让人兴奋的艺术家来合作”。在谈到香港白立方的开设时,Tim也表示白立方画廊的目标不是为了将中国变成西方艺术的天下,而是为了促进双方能进一步对话……对于中国当代艺术的经营和了解,白立方画廊仍在探索之中。目前白立方画廊代理的唯一中国艺术家是张洹,并在2009年和2012年分别为其举办个展《猪刚强》和《看山还是山》。

 
 

弗里德里希•库纳什 Friedrich Kunath    

“库纳什在后现代主义和虚无主义之间的刀锋边缘平衡着自己的艺术倾向,并进一步推动到一种图像意识,这种图像意识似乎有些游乐宫风格、有些拉斯维加斯洛可可风格,还有些探寻视觉语言的心理动力学的成分。”

——迈克尔•布雷斯威尔

 

作者介绍:弗里德里希•库纳什于1974年出生在德国开姆尼斯,并在洛杉矶生活和工作。他举办过各式展览,包括在阿斯彭艺术博物馆(2008年)、巴登-巴登国家艺术馆(2009年)、汉诺威艺术协会(2009年)、洛杉矶海默博物馆(2010年)和牛津现代艺术博物馆(2013年)均举办过个展。群展包括“人性”、洛杉矶郡艺术博物馆(2011年)、匹兹堡“火星上的生命:第55届卡内基国际展”(2008年)、德国费尔巴赫“第11届雕像米兰三年展”(2010年)以及威尼斯格拉西宫美术馆“世界属于你”展览(2011年)。

 
 

最近,英国伦敦梅森苑的白立方画廊正在举行“正在消失的世界”个展,该展览来自德国艺术家弗里德里希•库纳什,是以洛杉矶为基础的新绘画和雕塑展。这将是继库纳什在英国牛津现代艺术博物馆与本画廊合作举办第一次个人展览之后的第二次个人展览。

一直以来,弗里德里希•库纳什的作品徜徉在意识和梦幻景象之间的空间里,呈现出一个改变现实的世界,在这个世界中,幻想和现实突然碰撞。他的作品发展自物体的堆积,将雅俗文化兼收并蓄获取灵感,往往是将一些意想不到的含义和可能性引申为一组字符和物体,使其在他的绘画、安排和雕塑中具有表现力,有时是重复性的。迈克尔•布雷斯威尔将这一过程描述为一条通往“审美状态和文化人类学的混合先驱”的途径。它允许一种意义的交汇,既不完全是具有讽刺意味的后现代主义,也不是简单的庸俗,而是介于两者之间,而且更加具有暗示性和不受约束。

 
 

在地下低层画廊的库纳什新绘画继续着这种超现实主义的深刻张力,悲伤和文化修养浅薄的演员似乎漂浮在空间内,通过不同的空间维度,这里低俗的幽默、痛苦和隐喻寓言爆炸一般地结合在一起。在作品《我仍然在这里》(2013年)中,一个艺术家观看着一幅刚刚完成的地板绘画,一只比生命高贵的狗,蜷缩着睡着了,其他作品的主题在此时已经成为极大的并主导着空间和隐喻库纳什的艺术,只有在它们似乎占据主导地位时,绘画才真正完成。

在房间中间,一群嬉戏的海獭,在加利福尼亚州土生土长,那里正是库纳什生活和工作的地方,形成了颜色鲜艳的陶瓷。更像一个旧货商店的装饰物,一大群超大号的,它们创造出一种海上的下层社会,时而浸入时而浮出地板,就好像那是大海或一个水池的表面。不可思议并令人感动的是,它们被赋予了人类的手臂和脚以及运动的胡须,变成华丽的胡子。这个元素,直接引用自弗里德里希•尼采,是库纳什一种典型的表现方式,从尽管一个很小的细节——“一个有意义的人的一个毫无意义的细节”——这富含着欧洲的象征主义和标志性的美国文化的结合。

 
 

这种不稳定的感觉,以及海上下层社会的暗示,在画廊底层继续展出库纳什“真实的现实”绘画,这些绘画描绘色彩艳丽的夕阳,却用标准A4记事本的包装覆盖,似乎这种非常伤感形象的浪漫感觉一直被办公用品的组织原则抑制着。有时在熟悉的明信片的背后捕捉日落,远景是一排棕榈树,而其他人风平浪静。在另一个作品中,一个圆形的圣诞贺卡像是雪景,但同样在上面插入理想化的景观。然而这些作品表明库纳什对于流行的视觉文化作用机制的兴趣,尤其是图册封面,那里拼贴画是对信仰自愿暂停的一种格式上的引发,它们还使人联想到记事本涂鸦的概念——些东西直接地、自发地、无需任何中介地从想象持续不断地向笔尖流动。

 
 

马克•布拉德福德Mark Bradford 

作者介绍:艺术家马克•布拉德福德于1961年出生于美国洛杉矶,并一直在那里生活和工作。他参加过许多展览和双年展,并已获得了国际的认可,其中包括:韩国光州双年展(2012年)、伊斯坦布尔双年展(2011年)、首尔双年展(2010年)、卡内基国际展(2008年)、圣保罗双年展(2006年)以及惠特尼双年展(2006)。个展包括阿斯彭艺术博物馆个展(2011年)、辛辛那提艺术博物馆“地图和体现”个展(2008年)以及惠特尼美国艺术博物馆“既不新鲜也不正确”个展(2007年)。2009年,马克•布拉德福德获得麦克阿瑟基金会“天才奖”,2010年他的大规模作品“你只是个无名小卒(直到有人杀了你)”在哥伦布市卫克斯那艺术中心展出。在此之后,他又前往波士顿当代艺术学院、芝加哥当代艺术博物馆、达拉斯艺术博物馆、旧金山现代艺术博物馆举办展览。

 
 

从2013年10月16日开始,英国伦敦柏孟塞白立方画廊正在举办“在卡车和坦克上穿过最黑暗的美国”个展,此次展览主要展出马克•布拉德福德的新作品,是本画廊为其举办的第二次展览。艺术家使用城市环境中的材料,诸如广告牌、海报和新闻印刷品,布拉德福德广阔的、多层次拼贴的绘画探索着社会抽象的动态,在其作品中,图像与背景相互融合。

展览的标题引自美国前总统艾森豪威尔回忆录中的一章,在该章节中,他叙述了他作为一名1919年横贯大陆车队成员的经历。这次经历结合他在德国第二次世界大战期间的观察结果,最终使他决定在1950年代的美国采用全国范围内的高速公路系统。展览中的画作应用州际公路地图作为一个起始点,布拉德福德巧妙地结合了抽象的构图与转变焦点的地形参考点。高速公路的创建为全国范围内的军事紧急部署提供支持,还任意席卷社区,包括在洛杉矶中南部布拉德福德所居住的社区。同样,在整个作品中充斥着对破裂、裂纹、切割和隔离的反映。例如绘画《最后的电报》(2013年)里,过道两旁茂密的树木被砍掉,过道被铺满沙子,以此揭示复杂的地图要道瞬间暗示着熔岩流的热量和能量。《骑在被砍掉的血管上》(2013年)的表面被炽热的斜裂缝打断,类似于通过合成集合城市形成的一种自然震动现象。在《射击硬币》(2013年)中遍布着闪闪发光的网络和支流的涟漪,而在《低垂的火药》(2013年)中,单色光条纹以来回波动的样式编织在一起。布拉德福德对材料和技术娴熟的操纵,用同样的方法使人混淆和入迷,并忽略了一个事实,那就是他的绘画完全由纸组成而不是颜料。在《分录》(2013年)等作品辑中的手势标志——基于艾森豪威尔日记的情节——显示出直观的表达,而不是受控制的劳动力,而在作品如《咬住这本书》中,袒胸露背的衣服截面在自发的行为中掠过。

 
 

在9×9×9画廊中,布拉德福德创作了一个特定场地装置“在监狱中从你的手机接听电话”(2013年)。基于在他的邻居那儿发现的商业海报,该作品侧重于他所居住地区的经济和种族人口方面,那里社会危机转化为商机和剥削。作品由一百五十幅画板构成,从地板到天花板水平和垂直地安装,每个面板体现主要信息的一个小部分。作品将观看者定位在中心,全景中的单个面板表达最高戒备监狱内的一个禁闭监舍。“在卡车和坦克上穿过最黑暗的美国”个展伴随提供内容详尽的出版物,其中详细记述了艺术家与苏珊•梅的对话,由克里斯托弗•贝德福德配文。

马克•奎恩Marc Quinn

作者介绍:个人展览包括第55 届威尼斯双年展希奥尔希奥•西尼基金会(2013)、莫斯科多媒体艺术馆(2012)、摩纳哥海洋博物馆(2012)、丹麦奥尔堡现代美术馆(2012)、巴塞尔拜勒基金会(2009)、达拉斯葛斯—麦可艺术基金会(2009)、大英博物馆(2008)、蒙特利尔DHC/ART 当代艺术基金会(2007)、格罗林郡博物馆(2006)、罗马MACRO(2006)、都柏林爱尔兰现代美术馆(2004)、利物浦泰德美术馆(2002)、米兰Prada艺术基金会(2000)、汉诺威艺术协会(1999),以及伦敦泰特美术馆(1995)。

 
 
 

2013年11月8日至2014 年1月4日,香港白立方诚意呈献英国艺术家马克•奎恩的最新作品展——“由欲望而生”。在这个展览中,艺术家探索欲望如何塑造我们的宇宙,并影响人类与自然的关系。通过探究艺术、自然与“人造物”的界限,我们更进一步观察那些原始又看似神秘的元素,以重新审视我们周遭的世界。

其中,“生命建筑”(2013)是使用三维扫瞄技术,制作成一个放大了的扶轮螺(Stellaria solaris,林奈分类法,1764)贝壳铜雕。被用作放大的贝壳本是件拾回来的东西,这只无脊椎生物是为了保护自身而自行创造成复杂的形态。奎恩的雕塑看来可以令时间瓦解:外部缀有大量条纹,是经过时间洗礼的证据;而内部经过细致打磨的光亮表面,似乎在暗示新事物,在反映现在。贝壳经过被放大及变形而成为雕塑,从而衍生了种种疑问︰艺术总是人工创作的吗?还是说艺术本身一直都存在,只是等待人类去“发现”?“由欲望而生”(中国杜松120)(2013)是另一件使用三维扫瞄技术去创作的作品,此作品使用了一棵拥有250年树龄的盆景树的自然形体,而这盆栽更是艺术家的个人植物收藏。传统上用作专心沈思的盆景树,对奎恩来说是我们与自然之间的关系缩影,人类因为欲望企图操纵自然去达到目的,但最终荒废的盆景亦会回归自然的大小和状态。

“雕刻的诞生”(2013)是一件用粉红玛瑙雕成的巨型西班牙塞拉诺火腿作品,与“迈向宇宙地图”(2013)一样,该作品灵感源自台北故宫博物院收藏的著名“肉形石”玛瑙雕塑。奎恩的火腿雕塑首先是在肉类上雕出原形,再在石头上雕刻,这雕塑过程同时亦引伸至冰河时期的动物骨头雕刻。在作品中,奎恩完美结合了我们对食物与对艺术的欲望,似在质疑两种欲望是同时产生,还是从一种欲望发展到另一种,以及究竟那个“肉形石”的雕塑是为了艺术?还是为了食欲?从“隐形欲望”(词源)(2013)大型黑色兰花头雕塑中,我们可以看到奎恩一直对花卉着迷的证据。那些延伸至观众头顶的花瓣,令其富有威胁性,但散布于表面的逼真脉络,却使之显得极其脆弱,同时又精致美丽。在兰花中心部位的生殖系统十分显眼,提醒了我们,所有生物的终极驱动力是繁衍后代。

在“过去、现在、未来”(2013)的画作中,奎恩继续于抽象与具体、丑陋与美丽的边缘游走探索。呼应着马奈笔下《奥林比亚》中裸体女性的姿态,Lara Stone诱人地躺在鲜肉的背景中,以挑战性的目光凝视着观赏者/偷窥者。“人类过去与未来”(2013 至今)是与此作有着鲜明的对比,却又同样充满矛盾张力的系列。这系列描绘了大海,为万物的生命之源,匉訇翻腾的震撼画象。这些作品不但呈现了完整的生命周期,在展览中自成一体,并尝试成为一面镜子,映照我们充满矛盾的自身,反映出我们被欲望所操纵,由欲望而生。